Poemas que abrazan canciones

J.C. Maraddón

Uno de los motivos por los cuales el tango alcanzó su edad dorada en la primera mitad del siglo pasado, se centró específicamente en el vuelo poético que desplegaron sus letras, además de la proliferación de aquellas grandes orquestas con sus correspondientes cantantes. Escritores que tenían mucho para decir y que sabían cómo plasmarlo en estrofas inolvidables, se encargaron de esa tarea que señaló un punto culminante para ese género que en un principio había basado su arraigo popular en un marcado ritmo y en versos pícaros que apelaban el lunfardo, y que luego conquistó a los paladares más exquisitos gracias a una lírica formidable.

Algo similar sucedió muchos años después con el rock argentino, que imprimió un carácter de valor artístico superlativo a varias de sus canciones fundacionales, muy por encima de lo que acostumbraban a entonar los intérpretes de moda que surfeaban ritmos como el twist y el beat. Aquellos rockeros de la primera camada no dudaron en insuflar un sentimiento tanguero a sus mensajes ni en plegarse a ensayos vanguardistas que seguían el modelo de la psicodelia o que introducían figuras literarias dignas de las mejores plumas, dentro de composiciones que navegaban entre el blues y la influencia beatle.

En el medio de esos dos acercamientos de la música con la literatura, hacia comienzos de los años sesenta también el folklore experimentó su propio desarrollo letrístico, que dio paso a la intervención de poetas camperos que supieron insuflarle un contenido mucho más arriesgado a lo que tradicionalmente eran las temáticas habituales de la música nativa. No por casualidad en simultáneo con otros movimientos similares que se daban alrededor del mundo, esa conjunción entre la creatividad sonora y la vena poética abrió el camino para que se verificara una renovación que encontró voces e instrumentistas dispuestos a hacerse cargo de la gesta.

Para ponerle algún nombre, a esa corriente innovadora se le dio en llamar Nuevo Cancionero, denominación que unificó el trabajo de diversos exponentes que, aunque provenían desde diversos puntos geográficos, confluían en el esmero que ponían en la confección de un repertorio sorprendente. Y así como sucedió con el tango y con el rock, este salto cualitativo en el folklore fue posible, entre otras cosas, por la aparición de una camada de autores que encontró palabras encantadoras para transmitir un sentimiento que tanto podía ser amoroso, como nostálgico, americanista, costumbrista, patriótico o de hondo contenido político y social.

Uno de los escritores que volcó su talento en la elaboración de letras que por esos mismos años se transformaron en canciones, fue Hamlet Lima Quintana, responsable de decires como los que abren la “Zamba para no morir”: “Romperá la tarde mi voz/hasta el eco de ayer/ Voy quedándome solo al final,/muerto de sed, harto de andar/Pero sigo creciendo en el sol,/vivo”. Repetidos hasta el hartazgo en los festivales, sus textos han traspasado los límites del tiempo y el espacio, para habitar en ese limbo del que la gente extrae los temas musicales que animan los fogones y que todos cantan sin preguntarse su origen.

Al celebrarse en 2023 el centenario del nacimiento de Hamlet Lima Quintana, se decidió homenajearlo editando un disco doble que, bajo el título de “Canciones para no morir”, recopila su obra en versión de reconocidos intérpretes. El volumen 1 salió en septiembre, en coincidencia con el aniversario, en tanto que del volumen 2 se conoció hace unos días “Séptimo vuelo”, sobre un poema de Lima Quintana, con música de Luis Gurevich e interpretación a cargo de León Gieco. Merecido tributo a uno de los que engalanó el acervo folklórico con esos mágicos textos nacidos de su prolífica imaginación.