Una instantánea de la desintegración

J.C. Maraddón

Dentro del lenguaje audiovisual, el proceso de edición constituye una etapa fundamental, en la que las tomas obtenidas del rodaje cobran la forma de un relato continuo, al que espectador une en su percepción de acuerdo al criterio con que esa película ha sido concebida. Desde que la tecnología comenzó a permitir este procedimiento consistente en cortar y pegar, cuyo uso data casi desde los orígenes del séptimo arte, la tarea ha sido llevada a cabo con esmero por los especialistas y ha sido admitida por los espectadores como algo natural, en virtud de que la mayoría de las veces la narración no puede ser desarrollada en tiempo real.

Tan importante es la función del editor, que un mínimo cambio en la disposición de las escenas puede alterar por completo el sentido de lo que transmite el filme, algo que muchas veces ocurre por indicación de los productores o distribuidores, más allá de lo dispuesto por el cineasta responsable. Por eso es que algunas obras han dado lugar al “director’s cut”, es decir, a una versión posterior en la que es el propio realizador el que toma las decisiones de dónde cortar y dónde pegar, sin tener en cuenta la opinión de los encargados de comercializar ese producto cinematográfico.

En la evolución del cine, los métodos para la práctica de esta clase de operaciones han ido variando, ya sea con el objetivo de dotar a la producción de un toque artístico, o de -por el contrario- hacerla más digerible para las grandes audiencias. Hacia los años ochenta, con la consagración del formato del videoclip en el consumo musical, se impuso la tendencia de una edición vertiginosa, plagada de imágenes que se suceden con velocidad unas a otras al ritmo de las canciones, una moda que luego se trasladó a la pantalla grande, tal como podía esperarse.

Pero muy pronto hubo una reacción frente a esta imposición proveniente de la TV, y en los noventa afloró el llamado Dogma 95, que procuraba devolver a la cinematografía aquella espontaneidad perdida. También en ese tiempo se verificó un rescate del recurso del plano secuencia, que privilegiaba la continuidad de la acción sin corte alguno y que consagraba la utilización de la cámara en mano y la steadicam. Aunque ya Leonardo Favio había sorprendido en 1969 con un final sin intervención de editores en su película “El dependiente”, sin duda hubo mucho después un reflujo de esa ausencia de compaginación.

La serie inglesa “Adolescencia”, que bate récords de vistas en Netflix, ha sido largamente elogiada por una característica descollante: cada uno de sus cuatro episodios de alrededor de una hora ha sido rodado de una sola toma, en una demostración prodigiosa que despierta admiración unánime. Factor esencial para que los creadores Jack Thorne y Stephen Graham y el director Philip Barantini hayan podido llevar adelante esa proeza, es haber contado con un equipo (y un equipamiento) técnico sobresaliente, además de un elenco que estuvo a tono con semejante desafío, en performances que exigieron tanto coordinación como un desempeño al borde de lo teatral.

Pero tal vez un despliegue de ese tipo, capaz de deslumbrar al más pintado, podría significar un elemento que distrae de la temática agobiante a la que aborda esta producción, en la que se describe sin contemplaciones un cuadro de situación de la sociedad actual. Es probable que la apelación obsesiva a la herramienta del plano secuencia contribuya a transmitir un vértigo necesario para la evolución del relato, pero es tal la pericia demostrada en el proceso, que se está a punto de opacar esa logradísima instantánea de la desintegración social a la que asistimos impávidos.